(mrz.2022) 7 de marzo de 1872. En 2022 se cumplen 150 años del nacimiento del holandés Piet Mondrian, un hombre fuera de serie que, fiel a sus conceptos filosóficos, cambió para siempre la visión del arte y pasó del figurativismo impresionista de sus inicios hasta llegar al abstracto más puro no sólo por un afán estético de “pintar cuadritos” sino por un anhelo de llegar a la más pura esencia. Producción original: Carlos Rangel

1. T
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m
a
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l

2. Nacido hace 150 años, el 7 de
marzo de 1872, el pintor y teórico
del arte holandés Pieter Cornelis
Mondriaan, es considerado uno de
los más grandes artistas del siglo
XX, uno de los pioneros del arte
abstracto, al cambiar su dirección
artística de la pintura figurativa a un
estilo cada vez más abstracto, hasta
el punto en el que su vocabulario
artístico se redujo a “simples”
elementos geométricos.
El trabajo de Mondrian tuvo una enorme influencia en el arte del siglo XX, influyendo no solo en
el curso de la pintura abstracta y numerosos estilos y movimientos artísticos importantes, como
pintura de campo de color, expresionismo abstracto y minimalismo, sino también en campos
fuera del dominio de la pintura, como el diseño, arquitectura y moda.

3. El arte de Mondrian siempre estuvo íntimamente relacionado
con sus estudios espirituales y filosóficos.
A partir de 1908, se interesó por el movimiento teosófico
fundado por Helena Petrovna Blavatsky a finales del siglo XIX.
Ella creía que era posible lograr un conocimiento de la naturaleza
más profundo que el proporcionado únicamente por los medios
empíricos. Mucho del trabajo de Mondrian durante el resto de su
vida, estuvo inspirado por la búsqueda de ese supuesto
conocimiento esencial. Una frase suya lo explica: «Solo cuando
estemos en lo real absoluto el arte no será ya más necesario».

4. Al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian
busca encontrar la estructura básica del universo, la
supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar
con el no-color blanco (presencia de todos los colores)
atravesado por una trama de líneas de no-color negro
(ausencia de todos los colores) y, en tal trama, planos
geométricos (frecuentemente rectangulares) de colores
primarios, considerados por Mondrian como los colores
elementales del universo.
De este modo, repudia las características sensoriales de
la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en
general todo lo formal. Expresó que el arte no debe ser
figurativo, no debe implicarse en la reproducción de
objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser
una especie de indagación de lo absoluto subyacente
tras toda la realidad fenoménica.
Tableau I
1921

5. Buscaba, en suma, un "arte puro", despojado
de lo particular, y decía que "el propósito no
es crear otras formas y colores particulares con
todas sus limitaciones, sino trabajar tendiendo
a abolirlos en interés de una unidad más
grande".
No obstante, la obra de Mondrian inició con
un marcado carácter naturalista e
impresionista, cuya evolución se puede
apreciar en las siguientes imágenes que
muestran su progresión cronológica.
AutoretraroI
1918

6. Village Church
1898

7. Wood with Beech Trees
1899

8. Autoretrato
1900

9. Irrigation Ditch with Mature Willow
1901

10. Along the Amstel
1903

11. Farm Sun
1904

12. Mill in the Evening
1905

13. Geinrust Farm, Compositional Study
1906

14. Still Life with Sun FLower
1907

15. Alberi
1908

16. Lighthouse in Wertkapelle
1909

17. El árbol rojo
1910
En su período luminista, Mondrian pintó
de manera realista, pero con colores
más brillantes que los reales y
contornos simplificados.
Este cuadro fue pintado en la localidad
costera de Zelanda de Domburg, que
en los meses de verano era una colonia
de artistas populares. En un cruce a su
estilo más rectangular y analítico, sus
árboles ilustran su cambio hacia el
cubismo abstracto.
Durante su primera estancia en
Domburg, según los informes,
Mondrian hizo bocetos de un manzano
en el jardín de Villa Loverendale, el
hogar de Marie Tak van Poortvliet y su
amigo, el pintor Jacoba van
Heemskerck. La pintura se completó
durante una visita posterior a Domburg.

18. El árbol gris
1911
Esta obra llegó en un momento en que
Mondrian comenzaba a experimentar
con el cubismo: sus elementos de
primer plano y de fondo parecen
entremezclarse y la paleta es muy
restringida.
El árbol tiene una forma sutilmente
ovalada, siguiendo otra práctica cubista
vista en las obras de Pablo Picasso y
Georges Braque. El óvalo de Mondrian
se volvió explícito, enmarcando la obra,
en pinturas que siguieron durante los
siguientes tres o cuatro años.
Apple Tree in Flower, también de 1912,
es una composición de tamaño similar.
Aunque el contorno del “manzano”
recuerda al de Gray Tree, el trabajo es
significativamente más facetado y
abstracto.

19. Apple Tree in Flower
1912

20. Still Life with Gingerpot 2
1912

21. Composición en Gris-Azul
1913

22. Composition with Oval in Color Planes II
1914

23. Composition No.10 Pierre and Ocean
1915
En la Composición número 10, Mondrian
había alcanzado el pleno desarrollo de
su forma neoplástica y no representativa.
Muchas de sus pinturas contenían los
elementos básicos de una cuadrícula
entrelazada de líneas negras y bloques
de los tres colores primarios. Aunque los
elementos fueron pocos, cambió la
estructura de cada uno de los elementos
de tal manera que fue capaz de crear
una estética diferente de cada uno.
Fue en este último período de su trabajo
que Mondrian trabajó hasta que se le
ampollaron las manos o se hizo llorar.
Durante este tiempo, también estaba
reorganizando y pintando su
apartamento estudio en Manhattan con
un patrón similar de cuadrícula y bloque,
que cambió y volvió a pintar al
completar ciertos lienzos o proyectos.

24. Composition in Color A
1917

25. Composition with Gray and Light Brown
1918

26. Composition with Grid VII
1920

27. Composition with Large Red Plane, Yellow, Black, Gray and Blue
1921
En la década de 1920, Mondrian comenzó a crear
las pinturas abstractas definitivas por las que es
más conocido. Limitó su paleta al blanco, negro,
gris y los tres colores primarios, con la
composición construida a partir de líneas
horizontales y verticales gruesas, negras que
delimitaban los contornos de los diversos
rectángulos de color o reserva.
La simplificación de los elementos pictóricos fue
esencial para la creación de Mondrian de un
nuevo arte abstracto, distinto del cubismo y el
futurismo. Los bloques surtidos de color y las
líneas de diferente ancho crean ritmos que fluyen
y refluyen a través de la superficie del lienzo,
haciéndose eco del ritmo variado de la vida
moderna. La composición es asimétrica, como en
todas sus pinturas maduras, con un gran bloque
de color dominante, aquí rojo, equilibrado por la
distribución de los bloques más pequeños de
amarillo, gris azulado y blanco a su alrededor.
Este estilo ha sido citado por muchos artistas y
diseñadores en todos los aspectos de la cultura
desde la década de 1920.

28. Tableau 3 with Orange -Red,
Yellow, Black, Blue and Gray
1922

29. Composition 2
1922

30. Lozenge Composition with Red,
Gray, Blue, Yellow, and Black
1923

31. Lozenge Composition with Red,
Black,Blue and Yellow
1925

32. En 1918, Mondrian creó sus primeras pinturas
“losangique”, como la Composición nº 1:
Rombos con cuatro líneas, inclinando un lienzo
cuadrado 45 grados.
La mayoría de estas obras en forma de
diamante se crearon en 1925 y 1926 tras su
ruptura con el grupo De Stijl por la introducción
de la diagonal por parte de Theo van
Doesburg.
Mondrian sintió que al hacerlo, Van Doesburg
había traicionado los principios fundamentales
del movimiento, perdiendo así la inmutabilidad
estática lograda a través de verticales y
horizontales estables. Mondrian afirmó, sin
embargo, que sus propios lienzos rotados
mantuvieron el equilibrio deseado de la
cuadrícula, mientras que el giro de 45 grados
permitió líneas más largas.
Tableau I, Lozenge
with Four Lines and Gray
1926

33. Composition with yellow patch
1930

34. Composition II with Red, Bue and Yellow
1930
Hacia 1930, el arte de Mondrian alcanzó un
punto culminante de pureza y sobriedad,
para lo cual se habían preparado las bases
en las pinturas de los años anteriores.
En la Composición II en rojo, azul y amarillo,
1930 (variación de una obra previa) las sutiles
diferencias como la subdivisión de la franja
izquierda del cuadro en tres rectángulos
desiguales, uno de los cuales es el cuadrado
azul, son más notables.
Viene a demuestrar que en Mondrian nunca
se puede cuestionar un patrón preconcebido
para una composición, sino que cada obra
surge de una asociación cuidadosa y
minuciosa con los elementos de la pintura,
que deben resolverse de nuevo en cada
obra.

35. Composition N. 1 with Red and Blue
1931

36. Composition C [N°.III] with Red, Yellow and Blue
1935

37. Vertical Composition with Blue and White
1936

38. Composition with Blue
1937

39. Picture No. III
1938

40. Composition No. 10
1939

41. Composition No. III Blanc-Jaune
1940

42. Composition with Red, Yellow and Blue
1941
El interés de Mondrian radicaba en la calidad
abstracta de la línea. Ya en 1914 casi había
eliminado la línea curva de su trabajo. Para 1916
había suprimido cualquier sentido de tema.
Más tarde, desarrollollaría una nueva forma de
abstracción rigurosa llamada Neoplasticismo en
la que se limitó a líneas rectas, horizontales y
verticales y colores primarios básicos.
Por lo general, sus composiciones no eran
simétricas, pero difícilmente podrían ser más
puras en sus elementos.
Mondrian sentía que este arte reflejaba una
verdad universal más grande más allá de la
apariencia cotidiana.

43. La serie de obras reunidas posteriormente bajo el título
New York City, marca el inicio de una nueva etapa en la
obra de Mondrian. Las líneas negras han desaparecido
junto con los rectángulos de color que desde 1918
habían formado una totalidad plana sólida.
En cambio, las líneas en los colores primarios, amarillo,
rojo y azul, atraviesan el lienzo cuadrado,
entrelazándose entre sí. En su mayor parte, las líneas
amarillas se cruzan sobre las de los otros colores, pero
aquí y allá, de la manera más sutil, las líneas rojas y
azules cruzan sobre el amarillo. Sin embargo, este
estilo no da lugar a un espacio ilusorio; las bandas de
colores se superponen unas a otras en la superficie,
ante los ojos del espectador.
Es bastante razonable aceptar la sugerencia de Michel
Seuphor y atribuir este efecto de cruzar y entrelazar al
método de Mondrian de concebir y elaborar estas
imágenes: usó tiras de papel de colores y las movió
sobre el lienzo para obtener el efecto que quería. De
esta manera, introdujo casi automáticamente los cruces
y la sugerencia de bandas de colores entrelazadas.
New York City I
1942

44. Broadway Boogie-Woogie
1943
La doctrina estética del neoplasticismo de Mondrian
restringió al pintor a los tipos más básicos de línea, es
decir, a horizontales y verticales rectas, y a una gama de
colores igualmente limitada, la tríada primaria de rojo,
amarillo y azul más blanco, negro, y los grises en el
medio.
Broadway Boogie Woogie omite el negro y divide las
barras de color una vez uniformes de Mondrian en
segmentos multicolores. Rebotando entre sí, estos
pequeños bloques de color parpadeantes crean un
ritmo vital y palpitante, una vibración óptica que salta de
intersección en intersección como el tráfico en las calles
de Nueva York. Al mismo tiempo, la imagen está
cuidadosamente calibrada, sus colores intercalados con
bloques grises y blancos.
La apreciación de Mondrian por el boogie-woogie
puede haber surgido en parte del hecho de que veía
sus objetivos como análogos a los suyos: “destrucción
de la melodía, que es la destrucción de la apariencia
natural; y construcción a través de la oposición continua
de medios puros: ritmo dinámico “.

45. Place de la Concorde
1943

46. Trafalgar Square
1943

47. Victory Boogie-Woogie, una pintura que Mondrian
concibió a la espera de la victoria en la Segunda Guerra
Mundial y que quedó inconclusa con motivo de su
muerte el 1 de febrero de 1944, se suma a las
innovaciones de su período americano.
Aun en su estado inconcluso, la pintura muestra un
enorme enriquecimiento sobre el dibujo de 1943 que
contiene un primer diseño para la obra. Es notable ver
cómo Mondrian, que ya tenía más de setenta años, era
capaz de una vivacidad, una receptividad a las nuevas
impresiones, una flexibilidad en el manejo de su propio
enfoque, todo en total contradicción con la reputación
de dogmatismo que lo rodeaba y que él mismo tenía.
En los años posteriores a 1925, Modrian fue
constantemente más allá en su propio camino, y los
cambios que tuvieron lugar en su trabajo no fueron
desviaciones de una política dogmática, sino
consecuencias de las percepciones y experiencias
derivadas de sus ojos y su “pensar con los ojos”, como
dijo Paul Cézanne. Victory Boogie-Woogie es un
ejemplo fascinante y convincente de este desarrollo.
Victory Boogie-Woogie
1944

48. Textos de inicio, de dominio público de amplia difusión previa en la red
Textos particulares de las obras extraídos de:
https://niood.es/las-10-obras-de-arte-mas-famosas-de-piet-mondrian/
Imágenes de libre acceso extraídas de internet extraídas de
https://www.wikiart.org/es/piet-mondrian
con reconocimiento a sus autores
Música: Noir et Blanc
del álbum NOIR ET BLANC © Darián Stavans
Concepto general y montaje gráfico original © Carlos Rangel
carlitosrangel@hotmail.com
se agradece respetarlo sin alteración
Santiago de Querétaro, México, marzo 2022
otras producciones del editor:
www.slideshare.net/carlitosrangel/presentations

49. Textos de inicio, de dominio público de amplia difusión previa en la red
Textos particulares de las obras extraídos de:
https://niood.es/las-10-obras-de-arte-mas-famosas-de-piet-mondrian/
Imágenes de libre acceso extraídas de internet extraídas de
https://www.wikiart.org/es/piet-mondrian
con reconocimiento a sus autores
Música: Noir et Blanc
del álbum NOIR ET BLANC © Darián Stavans
Concepto general y montaje gráfico original © Carlos Rangel
carlitosrangel@hotmail.com
se agradece respetarlo sin alteración
Santiago de Querétaro, México, marzo 2022
otras producciones del editor:
www.slideshare.net/carlitosrangel/presentations